Italiano precoce
- Uccello, San Giorgio e il drago, 1450 circa, Firenze
La storia di questo quadro è una leggenda cristiana sul drago che ha rubato una principessa. La principessa incantò il drago e lo legò con la sua cintura, ma non poteva scappare. Il nobile Giorgio venne in suo soccorso e uccise il drago. Ci sono molti dipinti di San Giorgio nella National Gallery perché è il santo patrono d'Inghilterra. Uccello ha cercato di mostrare la prospettiva del paesaggio disponendo aree chiare e scure sul terreno. Le linee diagonali sono importanti in questo quadro. La linea fatta dall'ala e dalla gamba del drago va nella stessa direzione della lancia di Giorgio, mentre il corpo e la coda vanno nella direzione opposta.
- Piero della Francesca, Il battesimo di Cristo, 1450 circa, Umbria
- Mantegna, L'agonia nell'orto, 1460, Mantova
- Pollaiuolo, Il martirio di San Sebastiano, 1475, Firenze
La storia di questo dipinto viene dalla mitologia romana. Marte, il dio della guerra, ha fatto l'amore con Venere, la dea dell'amore. È così stanco che non sa che dei piccoli fauni stanno giocando con le sue armi. Ma uno sta per soffiargli una grande conchiglia nell'orecchio. Il messaggio di questo dipinto è che l'amore può vincere sulla guerra. Il disegno è basato su una grande W. che rende il quadro simmetrico. Botticelli lo fece per la camera da letto di Giuliano de'Medici, un ricco nobile di Firenze. Dipinse Marte per assomigliare a Giuliano e Venere per assomigliare alla sua ragazza, ma Giuliano non ebbe molto tempo per godersi i suoi dipinti perché fu assassinato solo poco tempo dopo.
Pittura del primo Nord Europa
Il Dittico di Wilton è uno dei dipinti più preziosi della National Gallery, perché la maggior parte delle piccole opere d'arte del Medioevo in Inghilterra sono state distrutte. Questo dipinto mostra il re Riccardo II d'Inghilterra che viene presentato alla Vergine Maria dai suoi tre santi protettori. È dipinto a tempera; i colori sono mescolati con l'uovo. La parola "dittico" significa che è in due parti e può essere chiuso come un libro. Lo sfondo è ricoperto da una sottile foglia d'oro battuta. Il blu è fatto con una pietra semipreziosa macinata, il lapislazzuli. Potrebbe essere stato dipinto come regalo di nozze per il re mentre era in Francia.
- Jan van Eyck, Il matrimonio Arnolfini, 1434, Belgio
- Hans Memling, Vergine e Bambino con santi e donatori, 1477, Bruges
- Rogier van der Weyden, Pietà, 1460 circa, Bruxelles
- Hieronymous Bosch, Lo scherno di Cristo, 1480 circa, Bois-le-Duc
- Albrecht Durer, Il padre del pittore, 1497, Norimberga
Questo dipinto è una pala d'altare per una chiesa. Mostra la Vergine Maria seduta come una regina su un trono con il Bambino Gesù. Egli è adorato da tre sante donne e dall'uomo che ha pagato l'artista per fare il quadro per la chiesa. È chiamato il "donatore". Tutto nel quadro è stato dipinto con grande dettaglio, i vestiti, le piastrelle, i gioielli, gli edifici e i fiori. Molte delle cose nel quadro sono simboli. Il cagnolino è il simbolo della fedeltà. I gigli sono il simbolo della purezza della Vergine Maria. Il quadro non mostra parte di una storia o un momento nel tempo. Il quadro è stato dipinto per aiutare lo spettatore a calmare la mente per la preghiera.
- Lucas Cranach, Cupido, punto da un'ape, 1522, Weimer
- Hans Holbein, Gli ambasciatori, 1533, nato ad Augusta e morto a Londra. Vedi sotto.
- Pieter Breughel il Vecchio, L'adorazione dei re, 1564, Bruxelles
L'Italia nel 1500
- Leonardo da Vinci, La Vergine delle Rocce, 1506 circa, Milano. Vedi sotto.
- Michelangelo, La sepoltura di Cristo, 1506 circa, Roma. Vedi sotto.
- Raffaello, La Madonna degli Ansidei, 1505 circa,
- Giorgione, Adorazione dei Re, 1507, Venezia
Questa immagine viene dalla mitologia greca. La principessa Arianna è naufragata a Nasso, l'isola di Bacco. Bacco vede Arianna e si innamora a prima vista. Tiziano lo mostra mentre salta dal suo carro trainato da ghepardi, mentre Arianna si gira per scappare. Ma Arianna ha guardato negli occhi di Bacco, e anche lei si è innamorata. Nel cielo c'è la corona di stelle che Bacco le ha dato al loro matrimonio. Tiziano ha dipinto un movimento a spirale in molte delle figure. Si può vedere nella sciarpa rossa di Arianna. Anche se questo dipinto riguarda la mitologia, le figure sono molto realistiche.
- Lorenzo Lotto, Dama come Lucrezia, 1530, Venezia
Questo ritratto mostra una donna in un abito di velluto riccamente colorato, con in mano un disegno di Lucrezia, una nobile donna dell'antica Roma che si suicidò pugnalandosi dopo essere stata violentata. Il dipinto potrebbe essere stato fatto per una famiglia che voleva che la loro figlia si sposasse bene. Il simbolismo del dipinto mostra in primo luogo che la giovane donna è ricca e in secondo luogo, è sessualmente pura. Queste due cose erano importanti per fare un buon matrimonio. Lotto ha usato il contrasto di colore nel vestito arancione e verde per creare un effetto ricco. Ha anche fatto un uso insolito nel contrasto di tono. Aree molto chiare come il suo viso, il seno e la mano controllano il centro del dipinto. Altre tre aree molto chiare sono poste sul lato destro, il disegno, la mano e la nota. Questa disposizione è asimmetrica
Italia, Francia e Spagna nel 1600
Questo dipinto è basato su una storia della Bibbia. Due seguaci di Gesù stavano camminando sulla strada di Emmaus, parlando tristemente della morte di Gesù. Un uomo venne e camminò con loro, ma all'inizio non lo riconobbero. Quella sera, cenando in una locanda, improvvisamente capirono che si trattava di Gesù che era risorto dai morti e ora era vivo. Caravaggio ha mostrato questo momento nel tempo come se fosse una fotografia. Le cose che fanno sembrare questo quadro così reale sono la luce, il movimento e i dettagli. Caravaggio ha dipinto la luce proveniente da un lato come se ci fosse una grande lampada. La testa del locandiere fa un'ombra dietro Gesù che è come un'aureola. Il quadro ha catturato un solo secondo in cui Gesù ha alzato la mano, un uomo comincia ad alzarsi e l'altro getta le braccia in fuori. Solo il locandiere è fermo. La vista della mano di Gesù, le braccia dell'uomo e il gomito dell'altro uomo sono scorciate. I dettagli mostrano persone comuni con abiti comuni che sono vecchi e strappati. C'è anche una natura morta del cesto sul bordo del tavolo. L'illuminazione e il realismo di Caravaggio furono copiati da molti altri pittori, compresi Rembrandt e Velazquez.
- El Greco, Cristo che scaccia i mercanti dal Tempio, 1600 circa, Toledo
- Annibale Carracci, Quo vadis? , 1602, Roma
- Claude Le Lorrain, Partenza della regina di Saba, 1648, Francia e Roma
Questo paesaggio immaginario è basato su una storia della Bibbia. In questa scena, la regina di Saba si mette in viaggio dall'Africa alla Palestina per incontrare il re Salomone. Ma ciò che l'artista voleva veramente mostrare era la nebbiosa luce mattutina dell'alba sul mare. Ha anche dipinto tre diversi tipi di edifici. A sinistra c'è un'antica rovina come quelle che l'artista ha visto a Roma. Sullo sfondo c'è un castello e una torre del Medioevo. A sinistra la regina esce da un grande palazzo nel nuovo stile del Rinascimento. Nulla in questo quadro ha a che fare con l'Africa o la Palestina. Si tratta di Roma. Mostrando la Regina di Saba, Poussin sta dicendo che la città di Roma, con tutta la sua storia di 2000 anni, è come la regina più bella e intelligente che sia mai vissuta. Questo tipo di pittura si chiama "allegoria".
Questo dipinto è una scena della mitologia romana. Le donne sono ninfe, gli spiriti della foresta. Alcuni degli uomini sono satiri e hanno corna e zoccoli di capra. Vivono a Naxos, l'isola di Bacco, e passano molto tempo ad ubriacarsi, ballare e fare l'amore. In questa festa selvaggia, anche i bambini bevono vino. Una ninfa sta per rompere una brocca di vino sulla testa di un satiro, che sta cercando di baciare la sua amica. Poussin ha usato grandi aree di colore brillante. A prima vista, il dipinto sembra un'accozzaglia di corpi, ma tutto è disposto con molta cura per dare un effetto di danza all'intero quadro. Una grande forma triangolare contiene tutte le figure. Fuori dal triangolo sulla destra c'è una statua di Pan. Sul lato sinistro c'è un bel paesaggio.
- Diego Velazquez, La Venere di Rokeby, 1649, Madrid.
Questa immagine è tratta dalla mitologia romana. Mostra Venere, dea dell'amore e della bellezza, che guarda in uno specchio tenuto da suo figlio Cupido. Velazquez passò la maggior parte del suo tempo a dipingere ritratti per la famiglia reale di Spagna e i loro parenti. È uno dei più famosi ritrattisti di tutti i tempi. Ma questo dipinto fu probabilmente fatto per se stesso, e quando lo fece, si mise in pericolo di una grave punizione. In Spagna, anche se il re governava, la Chiesa aveva il controllo. Sorvegliavano tutto quello che tutti facevano, e fecero mettere a morte un gran numero di persone. Era contro la legge in Spagna dipingere quadri di nudo come questo. Velazquez è stato molto attento a mostrare solo la schiena. L'immagine del viso non è molto chiara. I vecchi specchi non erano così chiari come quelli moderni. Forse Velazquez voleva mascherare il volto della donna per la sua protezione. La disposizione e la colorazione in questo dipinto è molto semplice. Le linee aggraziate del corpo sono ripetute nelle coperte grigie e bianche del letto. La tenda rossa è allo stesso angolo della sua testa, ed è di un colore caldo, come la sua carne rosa.
- Murillo, Le due Trinità, 1681, Siviglia
Olanda e Fiandre nel 1600
- Gerrit von Honthorst, Cristo davanti al sommo sacerdote, 1617, Utrecht
- Rembrandt, La festa di Belshazzar, 1630, Leida
Rembrandt è meglio conosciuto come pittore di ritratti, in particolare per i molti autoritratti che registrano la sua vita da quando era un adolescente alla sua vecchiaia. Ha anche dipinto molte scene della Bibbia come questa. Il padre del principe Belshazzar aveva portato il popolo ebraico a Babilonia come schiavi. Belshazzar stava dando una festa e mandò dei servi a portare le coppe d'oro che erano state rubate dal Tempio di Gerusalemme. Improvvisamente una strana mano apparve e scrisse un messaggio sul muro. Nessuno sapeva cosa significasse, così Balshazzar chiese a Daniele, che era un profeta ebreo. Daniele disse: "Sei stato pesato e misurato da Dio. Non sei conforme alle regole di Dio. I tuoi giorni sono contati!". Questo quadro mostra quanto i pittori olandesi abbiano imparato da Caravaggio. Questo dipinto può essere paragonato alla Cena di Emmaus. È un'altra scena piena di dramma. Rembrandt ha collocato due delle figure ad angoli insoliti. Il corpo di Belshazzar è rivolto verso lo spettatore, ma la sua testa è avvitata per vedere cosa sta succedendo dietro di lui. Quando si alza dalla sua sedia, fa cadere la coppa d'oro tenuta da una delle sue mogli. Lei è anche in una strana angolazione perché lo spettatore guarda in basso sulla sua testa e sulle sue spalle. Rembrandt ha creato un contrasto tra la ricca consistenza delle sue vesti e il suo viso flaccido e la pancia grassa.
- Anthony van Dyck, Carlo I d'Inghilterra a cavallo, 1631, Londra. Vedi sotto.
- Peter Paul Rubens, Il giudizio di Parigi, 1632, Anversa
Rubens era un pittore così popolare che divenne ricco e famoso. Ha dipinto ritratti e molte scene della Bibbia e della mitologia. La storia di questo dipinto viene dalla mitologia greca e romana. Paride era un principe che fu allevato da un pastore. Gli fu data una mela d'oro e gli fu chiesto di giudicare un concorso di bellezza tra tre dee: Giunone, la dea della famiglia; Minerva, la dea della guerra e Venere, la dea dell'amore. Ognuna offriva una ricompensa: ricchezza, successo in battaglia e la donna più bella del mondo come moglie. Paride scelse l'ultima e diede la mela a Venere. Questo fece arrabbiare due persone molto potenti. E quello che non capì è che la donna più bella del mondo, Elena di Troia, era già sposata. Rubens ha dipinto un quadro per decorare la parete della casa di un ricco mecenate. Il dipinto ha molti dettagli che aiutano a raccontare la storia. Questi includono il piccolo Cupido, un cane da pastore, il pavone di Giunone, lo scudo spaventoso di Minerva e le pecore che pascolano nel bellissimo paesaggio. Ma le cose più importanti nel dipinto sono i tre bellissimi nudi. Questo è ciò che ha reso i quadri di Ruben così popolari.
- Franz Hals, Gruppo familiare, 1640, Anversa
- Pieter der Hoogh, Cortile di Delft, 1658, Delft. Vedi sotto.
- Johannes Vermeer, Giovane donna alle Vergini, 1670 circa, Delft. Vedi sotto.
- Meyndert Hobbema, Il viale, 1689, Middelharnis
La pittura di paesaggio divenne molto popolare in Olanda nel 1600. In questo quadro la prospettiva è molto importante. In un paese molto piatto, può essere difficile giudicare quanto siano lontane le cose. Hobbema ha usato questa strada dritta con due file di alberi alti per dare la sensazione di quanto sia lontana la città. A prima vista questo quadro sembra abbastanza simmetrico. Ma Hobbema ha aggiunto molte differenze per rendere il quadro più interessante, bilanciando una fattoria da un lato con una chiesa dall'altro e rendendo le due file di alberi molto diverse.
Il 1700
- Watteau, Gli amanti, 1720 circa, Francia
- Giambattista Pittoni, Il sacrificio di Polissena, 1740, Venezia
- Canaletto, Il bacino di San Marco nel giorno dell'Ascensione, 1740 circa, Venezia
- Chardin, La piccola maestra, 1740 circa, Parigi. Vedi sotto.
- William Hogarth, Marriage a la Mode (una storia in sei quadri), 1743, Londra
- George Stubbs, Una famiglia nel loro Phaeton, 1750 circa, Inghilterra
Nel 1700, i dipinti di paesaggio erano popolari in Inghilterra, ma erano più che semplici immagini della bella campagna dipinte come decorazioni per una stanza. La maggior parte dei dipinti di paesaggio erano anche documenti di una famiglia e della terra che possedevano. Erano un segno della ricchezza e dello status della famiglia. In questo dipinto i proprietari terrieri mostrano il loro parco privato con la sua varietà di alberi. Mostrano anche la loro splendida coppia di cavalli e la loro elegante carrozza chiamata "phaeton". Insieme, questa carrozza e i cavalli sono l'equivalente del XVIII secolo di un'auto molto costosa. Stubbs era famoso soprattutto per la pittura di cavalli. Era un maestro nel comporre belle immagini. Qui, ha creato un equilibrio tra il grande cappello alla moda della signora contro l'albero scuro e i cavalli neri contro il cielo pallido.
- Tiepolo, Allegoria dell'amore e del tempo, 1754, Italia
- Joshua Reynolds, Sir Banastre Tarleton, 1782, Londra
- Thomas Gainsborough, La passeggiata del mattino, 1786, Londra
- Goya, Il duca di Wellington, 1812, Spagna e Francia
Dal 1800 in poi
Questo è un quadro triste. Il suo nome completo è The Fighting Temeraire rimorchiata al suo ultimo ormeggio per essere rottamata. Questo è l'ultimo viaggio di una delle grandi navi da guerra che aveva combattuto per l'Inghilterra contro la flotta francese nella battaglia di Trafalgar. La sua forma alta ed elegante fa da contrasto al rimorchiatore nero e sporco con il fumante fumaiolo che la sta trainando via. Turner, che era esperto nel dipingere il mare, il cielo e il tempo, ha posto la luna nel cielo vicino al veliero. La luna è nella sua ultima fase. Dall'altra parte del quadro, il sole sorge con un bagliore rosso come il fuoco sull'acqua. La luna calante è il simbolo del passaggio dell'epoca dei grandi velieri. Il sole ardente sull'acqua è il simbolo della nuova era della macchina a vapore.
- Constable, The Haywain, 1821, Suffolk
- Ingres, Madame Moitessier, 1856, Parigi
- Courbet, Donne sulla riva della Senna, 1857, Francia
- Henri Fantin-Latour, Mele su un piatto, 1861, Francia
Questo quadro è una natura morta. Nel Rinascimento, gli intagli di nature morte erano spesso parte della decorazione lignea all'interno delle stanze importanti di un palazzo. Nel 1600 e 1700 anche i dipinti di nature morte divennero comuni e si vedevano più spesso nelle sale da pranzo, dove frutta, fiori e animali uccisi per la carne erano una decorazione alla moda. Nel 1800 molti artisti come Fantin-Latour dipingevano piccole nature morte come questa per esercitare la loro abilità nel disporre un quadro, nello studiare la luce e nello studiare la struttura. Molti artisti dipingevano anche nature morte perché erano troppo poveri per pagare un modello d'artista, o perché il tempo era troppo brutto per dipingere paesaggi. Fantin-Latour ha fatto un gran numero di piccoli quadri come questo. Ha disposto quattro mele di diversi colori e forme e ha fatto uno studio su come la luce appare sulle loro superfici curve.
Seurat era un amico dei pittori impressionisti francesi. Aveva una teoria secondo la quale tutti i colori erano costituiti da molti colori che venivano ordinati quando la luce passava nell'occhio. Sperimentò con il colore dipingendo a piccoli punti. Il suo stile di pittura è chiamato Puntinismo. Questo grande dipinto ha richiesto molto tempo per essere realizzato. Anche se è una scena all'aperto con molte figure, è molto fermo, come se il tempo si fosse fermato. Quando si guarda il quadro da vicino, si può vedere che anche le parti che sembrano bianche o nere sono fatte di centinaia di piccoli punti di colore.
- Vincent van Gogh, Paesaggio con cipresso, 1890 circa, Francia
Vincent van Gogh ebbe una vita difficile e travagliata. Nacque in Olanda ma andò a dipingere in Francia. Aveva pochissimi amici e aveva difficoltà a vendere i suoi quadri. Fortunatamente aveva il sostegno di suo fratello Theo e di un medico per il quale dipingeva quadri. Questo paesaggio è un buon esempio del suo stile. Nel dipinto, tutto sembra avere una vita propria. Le nuvole sono come grandi bestie che rotolano nel cielo, il grano ondeggiante si allunga come mani, le montagne rimbombano e il pino cipressino sembra piuttosto pericoloso. Vincent ha usato ogni pennellata per aiutare a creare questo movimento simile alla fiamma. Un'altra cosa importante in questo dipinto è il contrasto. I colori cambiano dal caldo rosso-arancio al blu ghiaccio. Il grande albero scuro sulla destra è in contrasto tonale con le nuvole bianche. La direzione verticale dell'albero è in contrasto con la direzione orizzontale del paesaggio. Nel 1890, Vincent si tolse la vita dopo aver dipinto centinaia di quadri in soli cinque anni.
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